Fotógrafos: Bob Elsdale

Hoy os traigo algo especial. Uno de esos fotógrafos valientes y decididos que un buen día deciden hacer algo distinto del resto y cuyo único destino no puede ser otro que el triunfo. Eso sí, empujado por el trabajo, la perseverancia y un importante alarde de creatividad. Hablamos de Bob Elsdale.

Existe una máxima que desaconseja trabajar con animales o niños, pero como dicen de las estadísticas, esta máxima esta para romperla. Bob estudiaba química cuando necesitó encontrar un fotógrafo que ilustrara la portada de un proyecto en el que andaba trabajando. Desde el momento en que vio la portada sintió la llamada de la fotografía y emprendió el largo camino que separa al aficionado del profesional. Sus primeros pasos, tras adquirir un poco de formación, fueron como ayudante de otros fotógrafos profesionales, principalmente del mundo de la publicidad, de los que además de técnica consiguió contactos que luego le permitirían trabajar para discográficas ilustrando las portadas de sus discos.
Con la llegada del boom audiovisual, los cd's sustituyeron a los vinilos y el vídeo cobro mas protagonismo que la fotografía. Aquí es donde Bob se lanza a la aventura de los libros para niños y las fotografías de animales.

Bob Elsdale no tiene reparos en reconocer que su trabajo tiene dos facetas: La toma propiamente dicha y el siempre complicado trabajo de edición. Aún así afirma que intenta siempre ajustar al máximo los disparos para que el procesado sea mínimo y que en cualquier caso si el efecto especial resulta poco natural prefiere no hacerlo. Indudablemente se vale del conocimiento adquirido durante estos años para aprovechar los rasgos y expresiones de los animales a los que cada vez entiende mejor. Recomienda trabajar poco con perros o gatos porque son muy fácilmente adiestrables y supone poca innovación aunque como podemos ver ha trabajado con una enorme variedad de animales, desde elefantes hasta pingüinos pasando por cerdos o ranas. Para todos emplea el mismo truco: administrar el hambre de los animales convenientemente para conseguir que cooperen usando la comida de alguna manera.

Bob Elsdale no es sino una prueba más de que la creatividad es el mejor camino para todos aquellos que quieran destacar en algún campo de la vida y por supuesto de la fotografía.

Espero disfrutéis del trabajo de este fotógrafo.

Fotografías: Bob Elsdale

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/5ADrSowyScw/fotografos-bob-elsdale

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Alzando la bandera en Iwo Jima

Ya he hablado de algunas fotos históricas, pero ahora me gustaría destacar la imagen que considero más icónica del siglo XX. Se trata de los marines izando la bandera en Iwo Jima. Una fotografía tomada por Joe Rosenthal que despertó los valores de todo un país y que le sirvió para reivindicar la supremacia de los EEUU en la segunda mitad del siglo.

La foto fue tomada el 23 de febrero de 1945 en la isla de Iwo Jima, en el Océano Pacífico. Eran las postrimerías de la Segunda Guerra Mundial, e Iwo Jima se convirtió en una de las más terribles batallas de esa contienda. En los ocho días que duró murieron casi 7.000 soldados americanos y más de 18.000 japoneses, en una isla de apenas 21 kilómetros cuadrados. Así que podéis imaginaros la masacre de esa batalla.

La bandera de la foto no fue la primera que ondeó ese día en el monte Suribachi, porque por la mañana, cuando las fuerzas norteamericanas tomaron el monte ya izaron una bandera, pero era algo pequeña. Así que a mediodía llego una nueva compañía a la posición conquistada con una bandera algo más grande y utilizaron un tubo de agua para izarla. En esas Joe Rosenthal que había acompañado a los soldados hasta la cima se preparaba para hacer la foto. Dejó la cámara en el suelo y comenzó a apilar unas cuantas piedras para poder tener una mejor visión del momento, pero los soldados no esperaron y comenzaron a izar la bandera, Rosenthal cogió rápidamente su cámara y sin mirar por el visor disparó. Así que una de las mejores fotos del siglo XX fue tomada de forma apresurada y casi sin poder apuntar. Rosenthal describió ese momento de esta manera:

De reojo vi que los hombres comenzaron a alzar la bandera. Alcé mi cámara y tomé la escena. Esa es la forma en que tomé la fotografía, y cuando tomas una fotografía de esa forma, no te vas pensando en que hiciste una gran toma. No lo sabes.

En la imagen se puede ver a cinco soldados y un médico: Franklin Sousley, Harlon Block, Michael Strank, John Bradley, Rene Gagnon e Ira Hayes. Por desgracia los tres primeros murieron durante los combates posteriores, en cambio los tres supervivientes se convirtieron en celebridades en su país. Fueron paseados por todo el territorio para recaudar dinero para la guerra y doblaron las previsiones, recaudando 26,3 billones de dólares.

Foto: Joe Rosenthal

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/U-fDy2WKWqk/alzando-la-bandera-en-iwo-jima

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What The Duck?

Seguro que en algún momento casi todos os habéis topado con una tira cómica en la que un pequeño pato blanco con una cámara fotográfica al cuello soltaba algún comentario de lo más sarcástico o irónico.

Ese pato es el protagonista de What The Duck, una genialidad que sale prácticamente a diario del lápiz de Aaron Johnson desde que en julio de 2006 empezase a publicarlo en formato webcomic. Desde entonces y hasta ahora, ha sido publicado en muchas revistas tanto profesionales como aficionadas del mundo de la fotografía, incluyendo a Amateur Photographer.

A través de la ironía, el sarcasmo, el ridículo y mil recursos más, What The Duck nos revela una y mil situaciones que nos resultan familiares a los fotógrafos tanto profesionales como aficionados y que hacen que en muchos casos nos sintamos perfectamente identificados arrancándonos mas de una carcajada. Para ello el protagonista trabajará con su becario, realizando fotografía familiar, de moda, por encargo, freelance, deportiva o amateur, verá su trabajo expuesto a juicios de amigos y desconocidos y sufrirá desacuerdos con los clientes tanto en los encargos como a la hora de pagar, logrando una situaciones realmente hilarantes.

Aquí os dejo una pequeña galería con algunas de sus tiras favoritas para mí:

Aunque la tira se encuentra en inglés desde Caborian nos encontramos algunas de sus mejores tiras traducidas al castellano.

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/ETn4ZXLDuwU/what-the-duck

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La importancia de tener un flujo de trabajo

En la vida hay que ser metódicos para ir avanzando de forma más fácil. La frase anterior se aplica a todo orden de cosas. También a la fotografía. Cuando comencé a tomar fotos creaba carpetas con el año, mes y día. Así tenía cierto control de las imágenes que iba tomando.

Hoy en día organizo mis imágenes con Adobe Lightroom, que no sólo me permite organizar las fotos, también me da la posibilidad de ir editando cada una de ellas. En resumen nos ofrece una gestión integral de nuestra colección de imágenes.

En lightroom tengo creada una librería por cada año y estilo. Es decir 2008_fotos_personales y 2008_fotos_prensa. Así por cada año. Pero mi flujo de trabajo es y ha sido horrible. Jamás he seleccionado las fotos que se quedan y las que debo borrar. Eso me ha hecho trabajar como loco éstos últimos días.

Aprovechando una oferta, decidí comprar un grabador de Blu-Ray. Así, me dije, puedo prescindir de todos los DVDS que tengo dando vueltas por ahí. Pero cuando comencé a revisar las imágenes, me di cuenta que tenía más de 100.000 que iban desde el año 2002 a 2010, en fotos personales y de prensa.

Como podrán darse cuenta, no fue llegar y grabar las fotos a bluray. He tenido que ir viendo foto por foto, marcando con una X aquellas que deben borrarse pues están malas, no están a foco o son horribles. Una tortura, pues toma su tiempo ver más de 12.000 imágenes que tomé el 2006: ¡sólo en la categoría de prensa!

¿Por qué el pobre Nicolás ha tenido que hacer todo eso? por desordenado y por no tener un flujo de trabajo. Hoy me propuse un ejercicio que sé, me va a ahorrar rabias a futuro.

Lo primero que hago es pasar las fotos a Lightroom y las veo una por una. Las que no me gustan las marco con la X del teclado, lo que me permite agruparlas como rechazadas. Después de verlas todas, pido al programa que me filtre sólo las rechazadas, para borrarlas. Así me quedo con muchas menos fotos. Luego de tener sólo las que me interesan, les voy asignando palabras clave, para que sean fácilmente encontrables en el futuro. A las mejores, les pongo de palabra clave, flickr, que me permiten saber que debo subirlas al popular servicio.

Después de todo tener un flujo de trabajo no toma tanto tiempo. Hoy pago los platos rotos por no haberlo tenido. De 100.000 fotos quedé en 12.000. Ahora me falta ponerles palabras claves antes de mandarlas a un disco bluray. Si lo hubiese hecho antes, mucho tiempo me habría ahorrado.

Es imprescindible tener un flujo de trabajo. ¿Cuál es el tuyo?

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/0jJaxZSVitE/la-importancia-de-tener-un-flujo-de-trabajo

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4 sencillos consejos para fotografías en la lluvia

La mayoría de los fotógrafos no se siente cómodo haciendo fotografías con mal tiempo. Sin embargo, el mal tiempo a veces nos presenta la oportunidad perfecta para sacar el máximo provecho de nuestras habilidades. En particular, en el comienzo del otoño la lluvia puede proporcionar la oportunidad perfecta para capturar fotos maravillosas.

Fotografiar en la lluvia produce una atmósfera dramática y suaves escenas románticas. Ya sea que estemos ante las formaciones de nubes o después de la caída de las gotas, estos escenarios pueden producir fotos muy emocionantes e impresionantes. Los reflejos también puede ser aprovechados para hacer composiciones interesantes haciendo de la fotografía en la lluvia bella e impredecible.

1. Buscar las calles
   Cuando la lluvia comienza a caer, las calles adquieren un aspecto completamente diferente. Los paraguas comienzan a salir, los abrigos o impermeables hacen su aparición y la gente acelera el paso hacia su destino. Se podría pensar que esto podría dar lugar a una escena triste, sin interés, pero esto no es necesariamente el caso. Uno de los elementos que podemos aprovechar cuando hay lluvia es ese mar de paraguas lo cual da lugar a composiciones muy llamativas, podemos intentar una perspectiva diferente. Encontrar un punto de vista alto, y sólo debemos esperar para una escena llena de paraguas. Como alternativa, también podemos hacer foco en alguna persona dentro de la multitud o aumentar la velocidad de obturación de nuestras cámaras para capturar el momento donde todos se mueven rápidamente para salir de la lluvia.

2. Buscar la naturalidad
   El retrato clásico se toma a menudo en condiciones de iluminación perfecta, con una iluminación cuidadosamente seleccionada, y un modelo muy bien acondicionado. Olvida ese escenario ideal y busca la espontaneidad que produce la lluvia en las personas. La gente se comporta muy natural cuando se enfrenta a una lluvia torrencial, se ríen, se encogen, aprovecha el surrealismo de la situación. Es la oportunidad perfecta para capturar la expresión natural, y un retrato memorable. Por supuesto, hasta podríamos tener la suerte de capturar a alguien que realmente aprecia la lluvia y se deja llevar, los niños son especialistas en esto.

3. Nuestra comodidad no es una limitación
   Muchos de nosotros quizás preferimos evitar que nuestro equipo se moje, o mojarnos nosotros mismos, en estos casos podemos permanecer en la seguridad de nuestra casa, solo debemos abrir las cortinas y mirar a través de las ventanas. Muchos podemos identificarnos con esta sensación maravillosa y acogedora, que también es el escenario perfecto para capturar el humor de una persona. Otra opción es intentar fotografiar algún objeto a través de los vidrios mojados de nuestra ventana, esto nos permite transmitir un conjunto diferente de emociones y es una forma fácil de experimentar con la fotografía de lluvia, sin el inconveniente de estar realmente en la lluvia.

4. Mantener seca nuestra cámara
   He dejado para el final, lo que puede parecer un consejo obvio, pero no está demás mencionarlo. Quizás nosotros apreciemos mucho la sensación de la lluvia mojándonos, pero nuestras cámaras no tanto. Es importante tener un paraguas y quizás alguien que nos lo sostenga al momento de hacer la fotografía justo debajo de la lluvia. También existen accesorios especializados en mantener los equipos fotográficos protegidos en condiciones de mal tiempo, en caso que nuestro presupuesto lo permita podríamos adquirir alguno.

¡Vamos, a experimentar!

Les dejo esta galería para que vean lo que podemos aprovechar de la lluvia:

Fotos: Danny Toback, Ram reddy, Gregory Bastien, Justin C., Keven Law, Alyssa L. Miller, Blake Danger Bentley, Jiunn Kang Too, Danyael Rako, Sharon Mollerus

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/zGZKVbHQhOk/4-sencillos-consejos-para-fotografias-en-la-lluvia

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Pintura y fotografía: Las bailarinas de Alina Yanechek

La pintura por muchos años se dedicó a retratar la realidad. Introducir el punto de vista del artista y su técnica para plasmar en un lienzo aquello que observaba. Peor el arte no podía avanzar sólo perfeccionando la técnica, el ojo del artista tenía que llegar a observar la realidad a través del filtro de su propia experiencia, transformándola.

La invención de la fotografía resultó en una revolución de la pintura. No únicamente porque les quitó el peso a los pintores de imitar la real permitiéndoles explorar nuevos caminos, sino porque les hizo dar cuenta que su vista nunca sería aquel instrumento perfecto e instantáneo. La pintura entonces fue transformada y se convirtió en un camino para explorar la luz, la forma, el tiempo. Una verdadera revolución pictórica que explora la percepción más que la simple observación.

Pero aunque la fotografía captura la realidad de forma automática, con más precisión que el pintor, la técnica seguía teniendo un elemento artesanal, el proceso controlado por el fotógrafo. La manipulación de la luz a través de la química. El ojo del fotógrafo seguía siendo quien marcaba los pasos y era quien mandaba en el momento de que la fotografía se acercaba al objeto real, nuevamente intentando plasmarlo tal cual era visto. Ya no era el pintor quien escogía los colores y las formas, pero seguía siendo el fotógrafo quien buscaba el encuadre y la iluminación y el cuarto oscuro se volvía el nuevo caballete del artista.

Pero la evolución de la fotografía recorre de nuevo los mismos caminos que a la pintura. La cámara digital le quita al fotógrafo el peso del procesado del duro trabajo del laboratorio, de la morosidad del negativo al revelarse. La perfección de los lentes, de los sensores, de los sistemas automáticos le permiten retratar la realidad tal cual es.

Por eso ahora es necesario utilizar nuevas técnicas para añadir el filtro de la experiencia, la sensibilidad del artista en la propia imagen. La fotografía entonces se convierte nuevamente en pintura. El caballete son las diferentes herramientas de procesado y la imagen que se ve a través del objetivo de la cámara ya no es aquella que el fotógrafo planea sino sólo una nueva paleta en su pincel.

Las fotografías de Alina Yanechek  se encuentran así con los cuadros de Degás. Si los cuadros de Degás parten de la imagen vista y son transformadas por su técnica, por su sensibilidad y por sus cataratas que le hacían ver el mundo borroso y oscuro. Las fotografías de Alina Yanechek parten también de lo real, pero esta vez comienzan de una fotografía retrocediendo el camino hasta convertirse en una obra pictórica.

Via: 1x

http://feeds.hipertextual.com/~r/altfoto/~3/zs30ArFBQPk/pintura-y-fotografia-las-bailarinas-de-alina-yanechek

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