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sábado, 31 de diciembre de 2011

Fotografía de estudio (I): Cinco cosas que necesitas para comenzar

Uno de los lectores de ALTFoto nos escribió a través de Twitter para pedirnos algunos consejos sobre cómo comenzar con la fotografía de estudio. Aunque el tema es muy amplio, en este post intentaremos cubrir los aspectos más básicos, y los ampliaremos en otras entradas de acuerdo a sus preguntas y comentarios. Comenzaremos con las cinco cosas esenciales:

1. Consigue un espacio: Obivio, ¿no? Para comenzar a hacer fotografía de estudio necesitas un estudio. Pero no tiene que ser un piso completo pintado de blanco y perfectamente iluminado. Cualquier espacio con una pared de 3 o 4 metros de ancho y unos 5 metros despejados frente a ella será suficiente para comenzar. Lo importante es que lo designes como tu espacio de trabajo y lo respetes. Tener un espacio exclusivo para ese uso sería lo ideal, pero siempre puedes usar la pared de tu habitación o la sala, y montar y desmontar el estudio cuando sea necesario. Ten en cuenta que aunque no es necesario llevar tu estudio a cada encargo, siempre es bueno tener algunos accesorios portátiles por si debemos hacer sesiones en exteriores o locaciones especiales.

2. Necesitas buenos lentes, porque la fotografía de estudio se trata de captar todo el detalle posible para hacer ampliaciones o catálogos en línea en los que se puede hacer zoom sobre la imagen; y para eso necesitas objetivos muy nítidos. Cualquier lente mejora su rendimiento cuando su diafragma se cierra por encima de f6.3, pero solo los mejores alcanzan el detalle que vemos en grandes ampliaciones. Aunque se usan algunos lentes zoom de alto rendimiento, como el 16-35mm L y el 24-70mm L de Canon, lo más común es usar lentes fijos, como un 85mm o 135mm para primeros planos, un 50mm para planos medios, y un 28mm para cuerpo entero. Otra ventaja de los lentes de distancia focal fija, es que estos suelen alcanzar el rendimiento suficiente para estudio a aperturas menores, como el 50mm f1.4 del que les hablé ayer.

3. Un fondo sin fin. Gramaticalmente no tiene sentido, pero fotográficamente es el rasgo característico de cualquier estudio. Se trata de un fondo curvo que hace las veces de pared y piso, sin que se perciba unión alguna. En los estudios más grandes se montan rampas permanentes, pero muchos profesionales prefieren lonas o grandes pliegos de papel, ya que son portátiles, más baratos, y fáciles de lavar o reemplazar. El más usado es el de color blanco, ya que facilita el procesado de las imágenes, pero los hay -o se pueden hacer- de todos los colores y tamaños, de acuerdo al encargo fotográfico.

4. Las luces de estudio son básicas, ya que si tenemos lentes trabajando con pequeñas aperturas para obtener su mejor rendimiento, necesitaremos luz extra. Pero no desesperes, que no tienes que comprar 3 o 4 flashes de 500w cada uno. Para comenzar, basta con 2 o 3 speedlites (los flashes que se montan sobre la cámara), bien distribuidos y optimizados con accesorios como softboxes, sombrillas, snoots o beauty dishes. Ya hemos hablado un poco de equipos de iluminación hace unos días, pero te hará falta nuestro último consejo…

5. Domina la luz, porque después de todo la fotografía se trata de eso. En el estudio es lo más importante, ya que contamos con dos, tres o más fuentes de luz de distinta intensidad y características, que debemos mezclar para obtener un resultado agradable y/o expresivo. Para alcanzar esto, debes hacer dos cosas:

  • Practica todo lo que puedas. Busca amigos, familiares y conocidos, y haz sesiones que te sirvan para experimentar con distintas configuraciones de luz. Es mejor si no todos tus modelos son bonitos, ya que así aprenderás a usar la luz para encontrar "el mejor ángulo" de cada persona.

  • Lee manuales y mira fotos para que aprendas del trabajo de otros. No tienes que volver a inventar la rueda. Esto no quiere decir que pasarás tu carrera como fotógrafo copiando a otros, si no que todos comenzamos por estudiar y repetir lo que funcionó antes.

En el post de mañana hablaremos de cómo configurar las luces en el estudio y qué variantes son usadas con frecuencia. Si tienen alguna duda, la sección de comentarios es suya.










Americo, enviado desde iPhone 

viernes, 30 de diciembre de 2011

2011: el año de las redes sociales para fotógrafos

Es hora de admitirlo: las redes sociales han llegado para quedarse. Puede que algunos de ustedes todavía estén algo reticentes a compartir sus imágenes a través de sitios como Facebook y Twitter, pero la verdad es que han demostrado ser un buen canal de difusión. Pero no han sido los únicos.

El 2011 ha sido un año genial para todo lo que tiene que ver con la fotografía social, es decir, aplicaciones de fotografía para dispositivos móviles que cuentan con funcionalidades relacionadas a compartir en las redes sociales. Vimos también una verdadera explosión en Flickr, donde los móviles se han transformado en la cámara de elección(hasta lo dijo Annie Liebovitz sobre el iPhone).

Por eso, en ALTFoto hemos hecho un compendio con algunas de las novedades más interesantes que el 2011 nos trajo, en términos de redes sociales y compartir nuestro material (siempre protegiendo nuestros derechos de autor) a través de internet. Vamos a hacer un repaso por todos los eventos y aplicaciones que realmente revolucionaron el mercado.

500px, la alternativa a Flickr

En realidad, 500px se fundó en Toronto en 2009. pero en sus comienzos, tuvo muy pocos adeptos: apenas unos 1000 usuarios en el primer año del lanzamiento. Sin embargo, el 2011 fue su gran año, dado que ya tiene 85.000 usuarios, y sigue creciendo. Incluso en esta Navidad, nos ofreció una buena promoción de cuentas premium para competir con Flickr.

De hecho, 500px cuenta con algunas de las funcionalidades más elementales de Flickr, como subir, almacenar y mostrar fotos. Pero también combina alguno de los encantos de las aplicaciones favoritas del público, como galerías de fotos de los editores, al mejor estilo de Instagram y Photography Served, todo con una interfaz bellísima. No sólo es una buena forma de mostrar nuestro trabajo, sino que también es una manera de admirar la obra de los demás.

Instagram, los filtros móviles

Cerrando el 2011, Apple nombró a Instagram, una aplicación fotográfica para el iPhone, como la mejor aplicación de su App Store. Es que este pequeño bad boy tiene con qué: aplicando filtros retro a las imágenes tomadas con el móvil, Instagram nos permite compartir las fotografías en las redes sociales.

De hecho, cuando somos usuarios de Instagram tenemos acceso a una importante galería de nuestros amigos y otros usuarios, que también es una herramienta de descubrimiento. Sí, es cierto, muchas personas pensaron que estaban haciendo arte con sus teléfonos, pero Instagram ciertamente cambió la forma de pensar de las personas con respecto a las fotos de los móviles.

Google+ y la fotografía

Una de las novedades más importantes del año, en lo que a redes sociales se refiere, concierne a la llegada de Google+, el  nuevo intento social del gigante de los buscadores, que demostró tener mucho éxito y que, además, también mostró ser una ventana abierta para los fotógrafos.

De hecho, muchos de sus colegas seguramente ya están en Google+, porque además de ser una buena forma de compartir nuestras imágenes, también es buena para establecer contactos de negocios y conseguir potenciales trabajos a futuro. hubo algunas dudas con respecto a la protección de estas imágenes, pero todo puede resolverse con una buena licencia Creative Commons.

Tumblr, descubre fotografías

En este 2011 también les contamos un poco sobre Tumblr, una de las plataformas más populares del momento, con muchas funcionalidades sociales entre las cuales se destaca la posibilidad de compartir fotografías.

Si bien es cierto que mucho de este material poco tiene de nuevo, y que los usuarios hacen uso y abuso del reblog, un botón para volver a compartir un contenido de otro usuario, también es cierto que es una buena forma de compartir tu material y conseguir inspiración. También, nos ofrece la oportunidad única de armarnos un portfolio interesante y atractivo, sin costo alguno.

Algunos bonus

Durante el 2011, también publicamos algunas novedades relacionadas con el mundo de internet, que no pueden dejar de estar en esta lista.

  • Photorank.me: les contamos allá por julio sobre esta aplicación, que nos permite medir la influencia de nuestras fotografías online, a través de un análisis de las redes sociales en las que estamos presentes.

  • El escándalo de Nikon: la compañía nipona atravesó varias catástrofes este año, pero una de las menores fue un desliz de su community manager, quien afirmó, de una manera muy tonta, que no importaba el talento del fotógrafo, sino solamente su cámara. Finalmente, Nikon tuvo que salir a disculparse.

  • Un día de fotos en Flickr: ¿cómo luciría una habitación llena de fotografías que se suben diariamente a Flickr? Ya no tenemos que hacernos esa pregunta, pues un proyecto de Erik Kessels nos lo muestra en vida propia.

  • CameraTrace: una de las noticias más recientes en ALTFoto, pero que sin embargo merece un buen lugar. ¿Te han robado la cámara? Con una suscripción a CameraTrace, puedes rastrear todas las redes sociales habidas y por haber hasta encontrar con la persona que está tomando fotos con tu equipo. Todos los detalles sobre cómo funciona, aquí.










Americo, enviado desde iPhone 

Fotografía de estudio (II): Configuraciones de iluminación

El día de ayer resolvimos en ALTFoto la duda de uno de nuestros usuarios, quien a través de nuestra cuenta de Twitter nos pidió algunos consejos para comenzar en la fotografía de estudio. Hoy continuamos esta nueva serie con la descripción de un esquema básico de iluminación, y las alteraciones de esta configuración más usadas entre los fotógrafos.

Un esquema básico de iluminación para fotografía de estudio comparte muchas características con la disposición de lámpara para televisión o cine, ya que la imagen en movimiento heredó estas técnicas de la fotografía, que a su vez las tomó de la pintura y el teatro. Esta es la razón por la que, al igual que en televisión, la iluminación básica para fotografía consta de tres elementos, que son los siguientes:

  1. Luz principal Es la lámpara más potente, y en fotografía casi siempre se usa con difusores para hacerla más suave; es decir, para evitar sombras y brillos fuertes. Cuando decimos que la fotografía hereda esquemas de iluminación de la pintura, es imposible olvidar la luz Rembrandt, que describe la ubicación clásica de la luz principal. Según esta regla, la lámpara debe estar a 45 grados en horizontal y 45 grados en vertical con respecto al sujeto.

  2. Luz de relleno Es una luz de menor intensidad que la principal, y con igual o mayor difuminado, de modo que sea lo más suave posible. Su función es la de eliminar las zonas de penumbra originadas por la intensidad de la luz principal. En realidad, muchos fotógrafos no utilizan otra lámpara para esto, si no que colocan alguna superficie refractante, es decir un rebote, al otro lado del sujeto. Pero este método solo sirve para planos muy cerrados, ya que es efectivo a unos pocos centímetros.

  3. Luz de fondo Es una luz de mediana intensidad, que se focaliza y apunta al fondo del encuadre a través de la adición de algún accesorio de iluminación como pantallas de bloqueo o un cono o snoot. Su función es la de compensar la iluminación en la zona de primer plano, de modo que el fondo no se vea demasiado oscuro.

En eso consiste un esquema básico de iluminación de fotografía de estudio. Ahora, hay cientos de variaciones posibles, y cada fotógrafo tiene sus favoritas, al punto que se vuelven casi firmas personales. A continuación, dejamos una lista de las más usuales:

  • Agregar una luz cenital. Una lámpara que desde arriba, apunte directamente a la parte superior del sujeto. Suele utilizarse en la fotografía de retrato, sobre todo con modelos femeninas, ya que aporta brillo al cabello largo. Potencia media-baja, sin difusores, y si es posible con un snoot. El resultado debería ser muy bueno.

  • Utilizar una sola luz, Como para emular completamente a Rembrandt y dejar la mitad del sujeto en las sombras. Si el fondo es también oscuro, estaríamos hablando de fotografía en clave baja, en la que predomina la sombra. Por lo general crea un efecto bastante dramático, sobre todo si la luz se focaliza y/o se desplaza hacia arriba o hacia abajo, de forma que crea sombras alargadas.

  • Usar dos luces de igual intensidad, o lo que es igual, usar dos luces principales, una a cada lado del sujeto. Esto no es aconsejable al hacer retratos, ya que la ausencia de sombras hace que el rostro se vea plano. Sin embargo, bien manejado, es un recurso indispensable para la fotografía de productos.

  • Que la luz principal sea frontal Aunque las fotos tomadas con los flashes internos de las cámaras son el horror de todo fotógrafo de estudio que se respete, este tipo de luz puede resultar interesante. Poco difuminada, como con un difusor de flash de zapata o un beauty dish, se consigue un contraste alto. Además, esa posición de la luz nos hace pensar en fotos improvisadas, espontáneas y hasta cierto punto no consentidas. Es un recurso muy usado en moda.

Ese ha sido nuestro repaso por los esquemas de iluminación. Esperamos sus aportes y preguntas para continuar con la serie de fotografía de estudio en ALTFoto.










Americo, enviado desde iPhone 

Va de retro. MediaMark no existía aún, pero, que guapo era

El "top"de la tecnología informática, hace 55 años - precioso

No me digáis que esto no es precioso. Lo veo en los "flashazos" de hoy en "Que sabes de" y no resisto la tentación de enseñároslo aquí.

  • Parece un armario ropero, y bastante grande.
  • Pesa aproximadamente una tonelada
  • La imagen es del año 1956 (esta es la clave)

¿ Que es ?

Pues se trata de un disco duro de ordenador IBM con la asombrosa capacidad de 5 MB.

Os recuerdo que los Apolos fueron a la Luna en 1969 con el primer microprocesador que existió, el Intel 4004 de 4 bits y una memoria RAM de 16 Kb. Yo tenía entonces 15 años y me pasé la noche pegado a la tele, un voluminoso cajón cúbico de madera de unos 50 cm de lado. Fue fantástico.

Eran otros tiempos, desde luego que si.

Flashazos de "Que sabes de"  ;  Más infos: Retronaut  ;  PetaPixel

Nota: mi ilusión secreta, bueno, una de ellas, sería que ya muy viejecito pudiera ver lo mismo pero en Marte. Seguramente la "joia" crisis se llevará por denate esa ilusión.

 

 

 

 








Americo, enviado desde iPhone 

¿Qué es la fotografía infrarroja?



La fotografía infrarroja hace referencia a una dimensión de la onda de luz que no es visible para el ojo. En el espectro electromagnético, las ondas infrarrojas se agrupan entre la luz visible y las ondas de radio. Es extraño observar fotografías realizadas con esta técnica en el sentido de que depende de la actitud de la cámara para retener lo que no es visible para el ojo ya que captura emisiones infrarrojas en lugar de imágenes. La fotografía infrarroja existe desde hace mucho tiempo, pero ha sido con la llegada de la fotografía digital cuando esta técnica se ha popularizado, al volverse más económica y fácil.
De lo que se trata es de realizar fotografías con una luz que está fuera de nuestro espectro visible y que tiene longitudes de onda más cortas que el color rojo. Debido a sus características, puede dotar a nuestras imágenes de sorprendentes efectos, especialemente cuando tomamos fotografías de parques o paisajes naturales, donde sus reflejos dan lugar a esos tonos claros tan característicos en la fotografía infrarroja o IR.


Técnicas de disparo

Primero tenemos que conseguir un filtro infrarrojo, en cualquier tienda de fotografía se puede encontrar. Una vez que lo tenemos, ya estamos preparados para salir y disparar. Las fotos de paisajes y un cielo despejado son muy importantes en las primeras fotografías, pues no son complejos de fotografiar y nos animarán a continuar con la técnica. Otra opción son los retratos de grupos de personas a la luz del sol (los de tribus urbanas pueden ser muy divertidos). Cada cámara es todo un mundo así que que lo mejor es que pruebes con distintos ajustes y te bases en el resultado para saber lo que más te gusta. Algunas incluso pueden tomar fotografías infrarrojas de alta calidad en el modo automático. Experimenta.

Consejos

  • Apaga el flash
  • Pon tu cámara en modo B/N
  • Elige una sensibilidad en torno a 400 ISO
  • Usa trípode y una velocidad en torno a 1/15 seg.

Cuándo utilizar la fotografía infrarroja

Una de las dudas que surgen a la hora de utilizar o no esta técnica es si nuestra fotografía estaría quedando mejor sin los filtros o sin los carretes (en el caso de la analógica). Pues bien, la fotografía infrarroja es idónea para condiciones de poca luz, ya que nos permitirá ver detalles inapreciables de otro modo. Si es de día o si la luz es suficiente podemos utilizar esta técnica como alternativa, pero quizá no sea la mejor opción. Yo la utilizaría en estas circunstancias
  • Tenemos una habitación con sombras y mucho contraste, de modo que si tiramos en manual nos encontraremos con áreas subexpuestas o sobreexpuestas. Solución: ¡filtro infrarrojo!
  • Hemos ido al campo de noche y nuestra única fuente de luz es una linterna
  • Los rayos del sol entran y caen sobre zonas concretas de una habitación. La técnica aquí dará resultados impresionantes.
  • Con lluvia, nieve o tormentas, especialmente durante la noche
Fotos: Rafa Espada/Broken Taco/Fortherock








Americo, enviado desde iPhone 

La suciedad en las lentes

Si bien siempre evangelizamos acerca de la limpieza del sensor y es una pregunta recurrente en nuestro consultorio, no todo tiene que ver con la cámara. Es verdad, una cámara con pequeñas partículas de polvo sobre el sensor puede causar grandes dolores de cabeza y supone unas manos muy calmas para limpiarlo o unos días sin ella, pasando de mano en mano en el servicio técnico.

Pero el polvo y la suciedad en general no discrimina y puede atacar tus lentes. Ya hemos revisado algunas veces el tema de si la suciedad en las lentes afecta o no la calidad de las imágenes y la conclusión final era que no. Diversas pruebas que comenzaron con pequeños pedazos de cinta sobre el elemento frontal hasta la remoción completa de este concluía que el efecto era bastante menor e imperceptible, tanto como para continuar utilizando la lente sin preocuparse por como afecta esta a la imagen.

Resulta que a fin de cuentas, si hay un efecto mínimo y detectable en las imágenes, aunque solo en ciertas condiciones especificas y en ciertas lentes determinadas. Una discusión de Reddit fue lo que disparó esta cuestión, con la siguiente imagen, preguntando si los pequeños puntos oscuros se debía a suciedad en el sensor:

Pues resulta que no, el sensor se encontraba limpio. El problema era la lente. Pequeñas partículas de tierra estaban depositadas en los elementos frontales y traseros de esta y solo se manifestaban a grandes aperturas, exclusivamente en el bokeh de la imagen. Esta es la única manifestación que la suciedad en la lente puede tener, en lentes de grandes aperturas y en situaciones de desenfoque muy grandes, completamente opuesta a la del sensor (que solo aparece a aperturas muy pequeñas). ¿La solución? Una buena ráfaga de aire con un pequeño compresor. Esto desplaza cualquier partícula rebelde y permite la formación de un bokeh completo, redondo y sin puntos negros.

Foto: Svante Adermark










Americo, enviado desde iPhone 

miércoles, 28 de diciembre de 2011

Guardería el Ganxet

La Shanghai de Víctor Garrido en Blank Paper

Expo de Victor Garrido

Invito a todo el que resida en Madrid o pase por la capital en estas fechas a que visite la exposición que el fotógrafo Víctor Garrido presenta en la Galería Blank Paper hasta el 20 de febrero de 2012. Y os invito por varios motivos. El primero por la importancia que tiene visitar espacios que se alejan del academicismo propio de las grandes instituciones. Y es que pasear por una sala pequeña siempre es un experiencia distinta, más íntima.

El segundo motivo es por el hecho de conocer a un fotógrafo de sangre nueva, con un manejo del color que nos transporta a situaciones más frescas, nos da una sensación de que la fotografía está progresando conduciéndonos a través de su mirada a un Shanghai que crece a base de placas de hormigón en enormes rascacielos. Una ciudad nueva en la nueva China que poco a poco está perdiendo su identidad como nos contaba su autor en la inauguración del pasado jueves.

El tercer motivo, el que más me interesa, viene marcado por el guión expositivo. En la exposición nos encontramos con diversas temáticas enmarcadas en distintos tamaños y dispuestas de una manera que aunque arbitraria a priori, cobra todo su sentido observándola en su conjunto. De este modo nos encontramos con composiciones a mayor tamaño en aquellas donde el autor nos habla de la soledad humana frente a los grandes espacios. Otras han sido colocadas en grupos de cuatro fotografías, son las que nos hablan del carácter frenético y joven de la ciudad.

Pero, sin duda, lo que más nos llama la atención es una pared donde se han dispuesto a modo de collage un nutrido grupo de pequeñas instantáneas (muchas de las cuales fueron descartadas para la exposición), mapas y apuntes, que se nos aparecen como el macking off del proyecto. Un collage que, como apuntaba Fosi Vegue (director de la escuela), es una forma didáctica de enseñar al espectador el proceso creativo de la muestra.

Lo dicho, tenéis hasta el 20 de febrero para acercaros a Blank Paper y conocer de primera mano la fotografía de este joven autor asturiano. Una manera excepcional de aprender cómo llevar a cabo un proyecto fotográfico, en este caso, sobre la ciudad de Shanghai, y abrir los ojos hacia formas nuevas de lenguaje, enfoques distintos y deleitarnos con imágenes que pueden convertirse en verdaderos iconos como la que abre este post.

Más información | Blank Paper Blog
Fotógrafo | Víctor Garrido
Fotografía cedida por | Blank Paper









Americo, enviado desde iPhone 

Cámaras compactas avanzadas: objetos de deseo para regalar esta Navidad

compactas avanzadas navidad 2011

En Xataka Foto estamos repasando las mejores opciones fotográficas para regalar estas navidades. Hemos repasado las compactas básicas, las que menos duelen a los bolsillos, las cámaras bridge y las cámaras sin espejo, tan de moda. Pero no podemos olvidarnos de las excelentes opciones que podemos barajar en cámaras compactas avanzadas.

Esas cámaras que nos permiten total control de la imagen, ideal para los más exigentes, con buenas ópticas, opciones creativas y todo ello en un tamaño de bolsillo para llevar siempre encima. Este 2011 nos ha deparado un buen lote de compactas avanzadas, y cualquier de las que seleccionamos serán una magnífica opción para regalar (o autoregalarse) estas navidades. Veamos nuestras sugerencias.

Fujifilm Finepix X100 y X10: para gourmets de la fotografía

Aunque ya hace más de un año que esta cámara empezó a brillar con luz propia, en este 2011 ha sido cuando se ha extendido su comercialización y se ha convertido, con argumentos sólidos, en la cámara de la que más se ha hablado y escrito. Una compacta de aspecto retro, con prestaciones elevadas y casi única en su categoría. La incluimos aquí porque no deja de ser una compacta, aunque parece que va un paso por encima del resto. También en el precio, claro, ya que se puede adquirir por no menos de 900 euros.

En Fujifilm no se conformaron con convertir a la X100 en objeto de deseo de muchos fotógrafos, y pusieron a su estela la Fujifilm Finepix X10. Una hermana más pequeña, pero sobre todo más asequible para el bolsillo. En la misma línea, esta pequeña compacta mantiene el mismo estilo en su diseño y aunque prescinde de algunas bondades de su hermana mayor (como el visor híbrido), sí que posee prestaciones de altura, un diseño retro que enamora y especificaciones que no dedepcionan. Eso sí, nadie dijo que además fuera una cámara barata, pero sí más accesible que la X100. Se puede encontrar por un precio oficial de 529 euros.

Canon PowerShot S100: calidad grande, tamaño pequeño

La renovación de una gama que ha logrado la estima de muchos fotógrafos como las aplaudidas S90 y S95 llegó con la Canon PowerShot S100. Con ligeros cambios para actualizar esta compacta avanzada de calidad asegurada, con opciones manuales y con una respuesta excelente, además de prestaciones que la convierten en una de las más interesantes entre las compactas avanzadas del mercado (objetivo estabilizado, apertura máxima de f/2, vídeo a 1080p y un sensor CMOS de 12,1 MP). Si buscas una cámara muy completa, que no defraude y que tenga un tamaño realmente pequeño, la S100 es una de las opciones a considerar. Su precio está sobre los 400 euros.

Olympus XZ-1: un objetivo digno de réflex

Otra compacta con un tamaño comedido y que brilla enormemente gracias a su excelente objetivo zoom. Un objetivo Zuiko que brinda un rendimiento excelente, con una gran apertura de f/1.8 y que junto con su rápido sistema de enfoque nos ayudará a conseguir buenas tomas. No nos olvidemos que permite disparar en RAW y que Olympus ha conseguido atraer la mirada de los más exigentes. Se puede encontrar por unos 350 euros.

Nikon Coolpix P7100: para no echar nada en falta

La opción en esta gama para los amantes de Nikon es la P7100. Una cámara compacta completa con un tamaño de sensor ligeramente más grande que las habituales compactas y al mismo nivel que por ejemplo la Canon S100. Buena pantalla LCD, una construcción robusta y controles manuales para los acostumbrados a las réflex, que no echarán en falta ninguna opción a mano. Y lo mejor es que se pueden personalizar al gusto de cada uno, así que no será de las cámaras a las que cuesta hacerse precisamente. La P7100 lleva un sensor CCD de 10.2 MP, un zoom óptico de 7,1 aumentos y una distancia focal equivalente de 28-200 mm con reducción de la vibración. Su precio en el mercado está cerca de los 500 euros.

Como vemos, todas son cámaras ideales para sorprender a fotógrafos exigentes que busquen esa pequeña cámara para llevar siempre encima pero con la que se pueden obtener unos resultados de garantías. Vamos, que no se echa en falta tener una DSLR en muchas ocasiones.

En Xataka Foto | Especial Regalos Navidad 2011










Americo, enviado desde iPhone 

Juan Gatti, fotografías a “Contraluz”

Muchas veces nos topamos con trabajos fotográficos que vale la pena mencionar en ALTFoto. Pero en esta oportunidad, los residentes españoles también podrán verlo con sus propios ojos. El argentino Juan Gatti, español por elección, presentará su primera exposición, "Contraluz", de forma gratuita en el depósito principal de la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II, en Madrid.

El nombre puede que no nos resulte familiar inmediatamente, pero la carrera de Gatti es extensa e interesante. Este fotógrafo y diseñador gráfico argentino ganó el Premio Nacional de Diseño en 2004, la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes en 2010, y trabajó con popes del cine como Pedro Almodóvar. Es bien conocido, al menos su trabajo, en la escena madrileña. "Contraluz", su primera gran exposición en solitario, es una muestra de su carrera a lo largo de los últimos 30 años, con trabajo en cine y moda. En total, son 280 fotografías, organizadas en 3 secciones.

La primera sección de la muestra es una proyección audiovisual, que se realiza en la cúpula de la Sala, aprovechando su acústica. La segunda sección, ubicada en la segunda y tercera planta del establecimiento, consiste en 40 fotografías de gran formato, que son la verdadera estrella de la muestra. También le dan nombre, dado que están tomadas bajo condiciones de contraluz, y nunca antes han sido apreciadas por el público.

En la planta baja de la sala, encontramos el tercer sector, la recopilación de sus obras más famosas, como fotografía de modas, publicitaria, retratos, naturaleza muerta, y otras cosas más. Una de las cosas más interesantes es el trabajo de Gatti con Almodóvar: el fotógrafo es el responsable de la estética de películas como Átame, Volver, y La Mala Educación. Sus trabajos cinematográficos abarcan también a directores como Alex de la Iglesia y John Malkovich.

La muestra es gratuita y, como dijimos, puede visitarse en el depósito principal de la Sala de Exposiciones del Canal de Isabel II (Santa Engracia 125), hasta el primero de abril del año que viene.










Americo, enviado desde iPhone 

Truco Express: Cambiando los colores en Photoshop

Cambiando los colores con Photoshop

Dejando de lado los debates habituales acerca del uso del Photoshop, debemos admitir que es una herramienta fantástica. No sólo nos permite realizar acciones casi inimaginables, sino que además nos permite hacer la mayoría de cosas de varias formas. Vamos a ver una de las formas que tenemos en Photoshop para cambiar el color de las cosas.

Este método, aunque lleve un poco más de trabajo que otros, al trabajar con capas, nos permite una vez realizado el cambio de color, volver a cambiarlo en cualquier momento simplemente modificando las capas en cuestión de segundos. Vamos a ver como hacerlo paso a paso con un ejemplo de una manzana amarilla que convertiremos en roja y después en verde.

1. Pasamos a blanco y negro


manzanacambiocolor01.jpg

Empezamos con una manzana amarilla

Tenemos una fotografía en color. Lo primero que vamos a hacer es crear una capa de blanco y negro (Capa > Nueva capa de ajuste > Blanco y negro…). Con esta nueva capa, la fotografía entera se convierte en blanco y negro, pero conservando la información del archivo RGB, es decir, conservando la información de los colores.

Paso a blanco y negro

Aplicamos la capa de blanco y negro

Gracias a las opciones de capa podremos modificar la luminosidad de cada color. En nuestro ejemplo, si movemos la barra que modifica el amarillo, todos los tonos de gris que correspondan a colores amarillentos en el archivo en color verán modificada su luminosidad sin afectar al resto de colores.

Modificando la luminosidad

Aclarando los amarillos en el blanco y negro, la manzana vuelve más luminosa

Ahora tenemos una imagen sin color pero manteniendo las formas y texturas de la imagen original, pero sólo queremos modificar una parte de la imagen. En el ejemplo no queremos modificar el color del rabillo, por lo que los cambios que hagamos sólo deben afectar a la piel de la manzana.

2. Creamos una máscara de capa


Cómo digo, sólo queremos que los cambios afecten al color de la piel de la manzana sin afectar ni al rabillo ni al color del fondo. Para ello necesitaremos crear una máscara en la capa de blanco y negro que afecte sólo a la zona que queramos.

Al crear la capa de blanco y negro debería habérsenos creado automáticamente una máscara de capa. Si no es así, en los botones de la parte inferior de la ventana de las capas podemos crear una máscar pulsando en el tercer botón (añadir máscara vectorial).

Ahora que tenemos la máscara de capa creada lo que podemos hacer es pulsar con el ratón sobre la máscara para seleccionarla e invertirla pulsando en el teclado control + I (comando + I en Mac). La imagen vuelve a tener color ya que la máscara de la capa blanco y negro afecta a la capa entera (la máscara es toda negra y la capa no afecta a la imagen).

Con el pincel (B) y utilizando el color blanco y habiendo pulsado con el ratón sobre la máscara de capa para activarla, iremos pintando de blanco todo lo que deseemos cambiar de color. De esta manera todo lo que vamos pintando volverá a ser blanco y negro.

Blanco y negro con mascara de capa

La capa de blanco y negro sólo afecta a la piel de la manzana

En caso de haber pintado de blanco una parte de la fotografía a la que no queremos que afecte la máscara de la capa blanco y negro, lo que haremos será seleccionar el color negro para el pincel y volver a pintar, esta vez de negro lo que antes pintamos de blanco por equivocación. Ya tenemos preparada en blanco y negro la zona de la fotografía a la que queremos modificarle el color y una máscara de capa que nos servirá también para el siguiente paso.

3. Creamos una capa de color uniforme


Llega el momento de darle color a la zona que tenemos en blanco y negro. Vamos a crear una nueva capa de color uniforme (Capa > Nueva capa de relleno > Color uniforme) y seleccionamos el color que queramos sin preocuparnos mucho, más adelante podremos cambiarlo o ajustarlo fácilmente.

Ahora tenemos una capa de un color que cubre toda nuestra fotografía, pero eso no es lo que queremos. Vamos al cuadro desplegable del modo de capa, justo arriba del todo de la ventana de capas (donde pone "normal"), desplegamos el menú y seleccionamos el modo "Color" que tenemos casi abajo del todo. Aparece la imagen, pero el color afecta a toda la fotografía.

Con capa de color uniforme rojo en modo color

La capa de color rojo uniforme en modo color afecta a toda la fotografía

Nosotros queremos que ese color afecte únicamente a la piel de la manaza, por lo que deberemos crear de nuevo una máscara de capa que afecte únicamente a la zona deseada.

4. Copiamos la máscara de capa


Ya tenemos la máscara de capa creada en la capa de blanco y negro, por lo que sería una pérdida de tiempo crear una nueva y repetir el proceso. Para copiar esa máscara de capa simplemente debemos mantener pulsada la tecla "alt" mientras arrastramos la máscara de la capa de blanco y negro sobre la capa del color uniforme.

Mascara de capa de color uniforme

El color rojo ya sólo afecta a la piel de la manzana

Ahora la capa de color uniforme sólo afecta a la piel de la manzana, pero el color que hemos seleccionado en un primer momento queda poco realista, por lo que debemos realizar ajustes para mejorar el resultado. En este momento descubrimos la ventaja de cambiar los colores de esta forma.

5. Ajustando los colores y la luminosidad


Ahora sólo nos queda ajustar el color para conseguir los resultados que buscábamos. En nuestro caso queremos convertir la manzana amarilla en una manzana roja. Ajustamos la luminosidad modificando las opciones de la capa de blanco y negro.

Manzana roja

Bajamos un poco la luminosidad y el color se vuelve algo más realista

En el caso de la manzana el resultado puede ser un tanto irreal ya que la piel de una manzana amarilla es totalmente distinta a la de una roja, y eso, queramos o no, nos hace ver que ese color rojo no es propio de este tipo de manzanas, pero gracias a la capa de color uniforme podemos cambiar de nuevo el color con unos cuantos clicks.

Hacemos doble click sobre el cuadrado que nos indica el color de la capa de color uniforme y nos vuelve a aparecer la ventana con la paleta de colores. Seleccionamos el que queramos y ya tenemos una manzana verde, igualmente irreal pero que nos sirve de ejemplo.

Manzana verde

Con tres clicks cambiamos de nuevo el color de la manzana

Como veis, gracias a que tenemos una capa de blanco y negro y otra de color uniforme, en un par de clicks podemos cambiar tanto la luminosidad como el color, algo que no podemos hacer si cambiamos los colores de nuestra fotografía directamente con la herramienta "Reemplazar Color" (Imagen > Ajustes > Reemplazar color…).

En resumen


Tenemos otras formas de cambiar los colores en Adobe Photoshop, pero pienso que esta es la que nos permite ajustar de forma más precisa los colores y realizar cambios en cualquier momento y muy rápidamente.

Si buscamos resultados realistas podemos aplicar estos cambios de color sobre objetos con forma y textura que nada tengan que ver con el color ya que por ejemplo, ver un tomate azul, por muy bien que nos haya quedado el procesado, siempre será irreal.

Podemos utilizar esta técnica de forma creativa buscando imágenes reales a las que les dar colores totalmente alejados de la realidad.

Fotografías | José Barceló
En Xataka Foto | El difícil arte de manipular el color










Americo, enviado desde iPhone